Оригиналы не всегда против ремейков, а иногда даже за: 7 фильмов, которые решили переснять

Зачем режиссеры снимают ремейки? Одни воссоздают любимый фильм из детства, другие экспериментируют, переосмысляя классику, третьи берутся за сценарий плохого фильма, чтобы снять по нему хороший. А вдруг на этот раз получится? Причины у всех разные, как и результат: в одних случаях ремейк теряется на фоне неповторимого оригинала, а в других, наоборот, сдувает с него пыль и открывает для зрителей. Предлагаем как минимум 7 ответов на поставленный вопрос, и это только начало.

«Суспирия» (1977, Дарио Ардженто) / «Суспирия» (2018, Лука Гуаданьино)

Однажды итальянский режиссер Дарио Ардженто вдохновился диснеевскими историями, в особенности «Белоснежкой», и снял фильм ужасов, который стал культовым. «Суспирия» — это история о том, как молодая американка едет в Европу, чтобы заниматься бальными танцами, а попадает в логово ведьм. Она пытается разобраться в происходящем и выжить, находясь в стенах танцевальной школы, которая создает ощущение чего-то абсолютно нереалистичного, декоративного, созданного специально для того, чтобы проводить ритуалы, а отнюдь не разучивать очередное па. Яркие цвета — красный, синий, зеленый, желтый — в сочетании с тревожной музыкой создают то самое ощущение, когда и страшно, и невозможно оторваться. Кстати, душераздирающую музыку для фильма записала под руководством Ардженто итальянская рок-группа Goblin. Режиссер включал саундтрек прямо на съемочной площадке, чтобы расшатать нервы актеров и настроить их на максимально подлинную игру.

Через восемь лет после выхода фильма будущий итальянский кинорежиссер Лука Гуаданьино, тогда 14-летний мальчик, посмотрел «Суспирию» у себя дома на экране телевизора и так впечатлился, что пронес восхищение через годы и в 2006 году приобрел права на съемки ремейка. Версия Гуаданьино, бережно отдавая дань оригиналу, всё же существенно от него отличается. И прежде всего — реалистичностью. Вместо сказки в красочных декорациях новая «Суспирия» показывает зрителю жуткую историю, произошедшую в Германии 1970-х годов. Ведьмы, совершенно иррациональные в оригинале, здесь становятся вполне понятными женщинами, которые пользуются своей безграничной властью, а простодушная главная героиня превращается в сложного персонажа — попав в темные стены школы, она открывает в себе не менее темные стороны личности. И всё это происходит под музыку Тома Йорка.

«Запах женщины» (1974, Дино Ризи) / «Запах женщины» (1992, Мартин Брест)

Снова Италия, но на этот раз никаких ужасов, только драма, причем снятая режиссером, который для итальянцев всё равно что Эльдар Рязанов для русских — мастер в хорошем смысле народных комедий. «Запах женщины», впрочем, тоже начинается вполне комедийно. Экс-капитан Фаусто, слепой и однорукий, отправляется в Неаполь, а юному рядовому Джованни поручают его сопровождать. Несмотря на увечья, капитан сохраняет бодрость духа и любовь к женщинам, как в былые годы, правда, теперь, за неимением зрения, он отличает их по запаху. Джованни, наоборот, совсем не искушен и простодушен, а потому циничный, но тонко чувствующий капитан учит его жизни, с особым упором на науку любви, конечно. Чем дальше продвигаются герои, тем драматичнее становится образ капитана. Оказывается, в него давно влюблена девушка по имени Сара, и он испытывает по этому поводу совсем не однозначные чувства. Постепенно за сильной личностью Фаусто начинает просматриваться ранимый человек, ищущий тепла и понимания.

Через 18 лет ремейк «Запаха женщины» снял американский режиссер Мартин Брест. Действие фильма он перенес в Штаты и акценты расставил другие — сосредоточил внимание не на душевных переживаниях стареющего военного, а на его взаимоотношениях с юным попутчиком. Ученик старшей школы Чарльз Симмс нанимается присмотреть на выходных за слепым подполковником Фрэнком Слэйдом, чтобы немного подзаработать. Но Фрэнк не собирается сидеть дома, он намерен поехать в Нью-Йорк и напоследок насладиться жизнью: в его планах шикарная гостиница, дорогой ресторан и не менее дорогая секс-работница. Чарльзу ничего не остается, как поехать вместе с подполковником, который относится к нему как к новобранцу — с пренебрежением. Как водится, постепенно герои находят общий язык и помогают друг другу обрести то, чего им не хватает в жизни. В отличие от оригинала, в этой версии нет и намека на трагический надрыв. Это чистой воды драма, приправленная хеппи-эндом. 

«На гребне волны» (1991, Кэтрин Бигелоу) / «На гребне волны» (2015, Эриксон Кор)

В картине Кэтрин Бигелоу дерзкая и неуловимая банда ловко орудует в Лос-Анджелесе и грабит банки быстро, чисто и без жертв. В ФБР считают, что бандиты каким-то образом связаны с серфингом. Чтобы это проверить, молодой спецагент Джонни Юта должен научиться ловить волну и стать своим для грабителей. Познакомившись с Бодхи, предводителем серферов, Джонни вдруг понимает, что их взгляды во многом очень схожи. Грабя банки и тратя добытые деньги на свободную жизнь, наполненную развлечениями, преступники бросают вызов обществу, не желая жить по его правилам. И хотя Джонни всё еще по другую сторону морали и ему предстоит разоблачить преступников, волны и дух свободы манят его всё сильнее.

В ремейке 2015 года режиссер Эриксон Кор сохранил основной конфликт и общий ход сюжета, но добавил деталей. В его фильме преступники-экстремалы хотят привлечь внимание общественности к проблемам экологии и своими грабежами как бы возвращают Земле то, что у нее было отнято людьми. Они следуют философии вымышленного японского мыслителя Оно Озаки и постоянно используют в речи такие слова, как «путь» и «просветление». В обоих фильмах свобода противопоставляется рутине и повседневности. Бандиты не думают о будущем, они живут сегодняшним днем и наслаждаются тем, что у них есть, пока это возможно. А ремейк отличается еще и тем, что сцены экстрима сняты в нём настолько захватывающе и красиво, что, по словам некоторых критиков, затмевают всё остальное. 

«Психо» (1960, Альфред Хичкок) / «Психо» (1998, Гас Ван Сент)

Выйдя на экраны, психологический хоррор Альфреда Хичкока получил прохладные отзывы критиков, но зрители приняли фильм на ура, кассовые сборы были огромными, и сейчас эта картина — классика жанра, о которой знают или хотя бы слышали, пожалуй, все. «Психо», фильм о человеке с раздвоением личности Нормане Бейтсе и его жертве Мэрион, основан на реальной истории маньяка, о которой рассказал в своей книге Роберт Блох, а Хичкок анонимно купил у него права на экранизацию. Режиссер делал большие ставки на неожиданный финал, поэтому сначала скупил все экземпляры книги, которые только смог отыскать, а потом выдал актерам копии сценария без последних страниц, чтобы и они тоже не знали, чем всё закончится. 

Приступая к съемкам, Хичкок хотел обойтись без огромного бюджета и поэкспериментировать с разными приемами, что ему прекрасно удалось. Хичкок говорил, что решил снимать фильм на черно-белую пленку не только потому, что это более дешевый вариант, но и потому, что не хотел делать картину слишком кровавой. Однако отсутствие красной жидкости на экране не помешало Норману Бейтсу занять второе место в рейтинге главных злодеев по версии Американского института киноискусства.

Через 38 лет режиссер Гас Ван Сент практически покадрово переснял шедевр Хичкока, даже сценарий для этого фильма написал Джозеф Стефано, работавший над оригиналом. Что впечатляет еще больше, Гас Ван Сент повторил в ремейке ошибки, которые увидел в классическом варианте. Например, пятно крови на стене, которое то появляется, то исчезает. Зачем нужно было так скрупулезно воссоздавать уже существующий фильм? Режиссер объясняет это тем, что он решил провести эксперимент и посмотреть, получится ли что-то новое, если взять за основу хорошо изученное старое. Критиков результаты не впечатлили, но эксперимент и не должен всегда давать положительные плоды, да и посмотреть оба варианта и сравнить их очень даже интересно. 

«Фанфары любви» (1951, Курт Хоффманн) / «В джазе только девушки» (1959, Билли Уайлдер)

Кто не знает историю о двух музыкантах из Чикаго, которые вынуждены скрываться от гангстеров, поэтому переодеваются в женскую одежду и вливаются в девичий джаз-бэнд? Но вот о том, что у фильма «В джазе только девушки» был предшественник, снятый на восемь лет раньше, помнят разве что киноведы.

В 1957 году, когда режиссерБилли Уайлдер находился в поиске новых идей, он встретился с давним приятелем Робертом Тереном, и тот предложил ему написать сценарий по мотивам своего фильма «Фанфары любви», который был очень популярен в Германии. Картина рассказывала о двух актерах, переодевающихся женщинами, и тоже была ремейком — французского фильма 1935 года. Уайлдер посмотрел «Фанфары любви» и назвал их «неописуемо ужасными», однако в сюжете он нашел как раз то, что ему было нужно. Так началась работа над новой картиной, которая стала вершиной творчества Уайлдера и настоящим событием в мире кино.

Такой успех не был случайным: в то время менялись принципы киноиндустрии, и на этом фильме отрабатывались новые методы, которые потом стали стандартными для кинематографа США. Хотя без критики и обвинений в безнравственности, конечно, не обошлось. Многих смущала тема с переодеваниями. Да, герои фильма не становятся дрэг-квин, они вынуждены переодеться в женщин, чтобы спасти свою жизнь, но постепенно они настолько сживаются с новым образом, что начинают замечать выгоду от этих перемен, а один из них даже пользоваться своей «женской» привлекательностью. Картина Уайлдера стала одной из первых ласточек, которые возвестили о скорой отмене цензуры и о новом взгляде на запрещенные темы.

«Магазинчик за углом» (1940, Эрнст Любич) / «Вам письмо» (1998, Нора Эфрон)

Будапешт. Магазин подарков «Матушек и Ко». В нем работают управляющий Альфред и продавщица Клара, которые ни дня не могут прожить без ссоры. Оба молоды и пытаются устроить личную жизнь, просматривая объявления о знакомствах в газете. И однажды одновременно у обоих завязывается переписка, которая должна привести к романтической встрече в Рождество. Конечно, молодые люди пишут друг другу, но прежде чем они это поймут, им предстоит преодолеть множество разных трудностей и недопониманий. 

«Магазинчик за углом», романтическая рождественская комедия Эрнста Любича, вышла в 1940 году, а в 1999-м вошла в Национальный реестр фильмов США как выдающаяся по своим историческим и эстетическим качествам. Сам Любич говорил о фильме, что это небольшая камерная история со своим шармом, на которую было потрачено совсем немного денег. Режиссер так хотел избавиться от гламура, который стал отличительным признаком его фильмов, что даже платье, купленное для съемок меньше чем за два доллара, распорядился подержать на солнце, пока ткань не выцветет.

Почти через 50 лет режиссерка Нора Эфрон сняла на основе того же сюжета фильм «Вам письмо», на этот раз крупнобюджетный и с участием звезд. Теперь герои, Кэтлин и Джо, живут на Манхэттене и общаются в интернете. Они оба в отношениях, но их неудержимо тянет друг к другу. И кроме всего прочего, они еще и конкуренты: у обоих есть книжные магазины, причем Джо cо своим сетевым супермаркетом практически выдавливает маленький магазинчик Кэтлин с рынка. Как и в оригинальном фильме, героев ждет хеппи-энд, а зрителей — удовлетворение от того, что каждый в итоге получает то, что хочет. 

«Человек, который слишком много знал» (1934, 1956, Альфред Хичкок)

Бывает и так, что режиссер снимает ремейк своего собственного фильма. В 1934 году Альфред Хичкок снял черно-белый шпионский триллер «Человек, который слишком много знал», а в 1956-м переснял его в цвете. Картина рассказывает об обычной американской семье, которая во время путешествия оказывается в Марокко и попадает в круговорот шпионских страстей. 

Хичкок впервые задумался о ремейке уже через восемь лет после выхода первой версии, но вернулся к этой идее намного позже. Сценарий написал Джон Майкл Хейс, причем нанят он был с условием, что с фабулой ранней версии он познакомится только со слов Хичкока, а смотреть сам фильм или читать его сценарий не будет. Второй фильм получился на сорок минут длиннее, были внесены небольшие изменения в сюжет. По ремейку видно, как за годы между первым и вторым вариантами изменилось творчество Хичкока. Фильм 1956 года избавился от пробелов в сюжете и некоторой наивности своего предшественника. Он более правдоподобный, масштабный и зрелый.

Как и в первой версии, огромную роль в фильме играет музыка. Для большинства сцен ее написал композитор Бернард Херрман. В кульминационной сцене, длящейся 12 минут, события происходят без единого слова под аккомпанемент его кантаты «Грозовые облака». Для второй версии Хичкок предложил Херрману написать новую музыку, но тот обнаружил, что предыдущий вариант настолько идеально подходит для этой сцены, что переписывать не стал, а лишь немного изменил композицию. 

В одном из интервью Хичкок сказал, что вторая версия нравится ему больше, поскольку ее снимал профессионал, а первую — «даровитый любитель». Но для поклонников режиссера этого оказалось недостаточно, и они до сих пор спорят, какой фильм у маэстро получился лучше.